Hasta este post, solo he escrito sobre viajes, pero hoy romperé la tradición y compartiré con los lectores de LiveJournal un pequeño artículo sobre fotografiar paisajes, que escribí para una de las revistas de fotografía.
No expliqué en detalle todos los matices y los términos de carga de fotos, por lo tanto lenguaje simple explicó qué aspectos deben tenerse en cuenta en el proceso de filmación y en la preparación para ello.
El tema del paisaje es el más cercano a mí, por lo que quiero hablar sobre disparar en este género en mi artículo.
Debo decir de inmediato que nunca he estudiado este oficio en ninguna parte, no tengo un diploma de graduado de una escuela de fotografía. Todo vino solo. mi primer cámara réflex Lo compré hace tres años y medio y todavía lo uso hoy. Durante este tiempo, logré tomar varias docenas de buenas fotos y escribir más de 50 ensayos fotográficos. Alguien incluso piensa que puedo fotografiar obras maestras, pero desde el exterior, probablemente lo sepas mejor.
Desafortunadamente, todavía no tengo muchas oportunidades y tiempo libre para viajar, pero en la primera oportunidad trato de salir de la red de la vida cotidiana en algún lugar lejos de la ciudad hacia la naturaleza, llevando mi cámara conmigo. Primero que nada voy a relajar mi alma, descargarme emocionalmente y distraerme. No tengo pensamientos en mi cabeza para disparar una obra maestra a toda costa, más bien, por el contrario, me parece que antes de eso ya había dado el máximo de mis capacidades y el mejor marco lo que eran antes nunca será.
Muy a menudo viajamos con toda la familia o con amigos...
La infancia pasada en el verano en el campo, aparentemente, dejó una huella en mi mente, por lo que fotografío muchos de mis paisajes en el interior de Rusia. Me gusta mucho la grandeza y diversidad de la naturaleza rusa, los monumentos de la arquitectura de madera de extraordinaria belleza, los pueblos remotos y medio abandonados y las chozas y vallas desvencijadas familiares para todos los rusos...
¡Estas fotos realmente me impresionan!
Los profesionales, por otro lado, creen que el género "paisaje" no se adapta del todo a muchas de mis fotografías: algunos sitios, así como los organizadores de la mayoría de los concursos de fotografía, definen mis imágenes en la sección "arquitectura" o "patrimonio cultural". . Pero fotografío lo que está cerca de mí y agrada a la vista, y no me importa de qué género se llame. Llamaría a mi trabajo simplemente "Foto para el alma".
A la tradicional pregunta: "¿Cómo se filma?" Puedo hablar largo y tendido, pero en el formato de esta publicación, me gustaría repasar brevemente los puntos principales que me permiten tomar buenas fotos.
Preparándose para disparar
No tomé un solo tiro más o menos decente por accidente. Todos mis viajes y salidas cortas están bien planeados y preparados...
Creo que el aspecto más importante en la fotografía de paisajes es la elección del lugar de disparo (el llamado lugar). Puedes tomar tantas fotos de una hermosa vista del parque desde la ventana como quieras, pisotear la orilla de un lago cercano en busca de la toma perfecta o fotografiar una puesta de sol cerca de la arboleda más cercana. Es posible que pueda hacer algunos buenas fotos, pero recibirás las obras más bellas solo moviéndote en el tiempo y el espacio.
Durante mis años escolares, me involucré seriamente en la orientación, participé en competencias internacionales y de toda Rusia y, en el camino, también participé en el turismo, por lo que estoy relativamente bien versado en mapas. Esto me ayuda mucho a la hora de elegir un lugar y preparar una ruta. Incluso diría que estudiar mapas y terrenos es un hobby de la fotografía.
Las posibilidades actuales de Internet son realmente ilimitadas, por lo que todas las ideas nacen después de estudiar la información de la red mundial.
Sobre el mapas de Google maps, Google Earth, Wikimapia, Panoramio (muerto) - Miro fotografías y lugares únicos desde satélites. En muchas carreteras, por cierto, en Google Maps puedes "montar" en una máquina virtual y previsualizar los alrededores con antelación. Busco notas y artículos interesantes en sitios populares para fotógrafos, foros de viajes, así como en redes. Hay mucha información sobre los monumentos de la arquitectura de madera en el sitio web Sobory.ru. Por separado, me gustaría mencionar reservas, parques nacionales y naturales. Estos territorios, por definición, deberían ser de interés para los paisajistas. Reúno toda la información recibida y obtengo la mejor ruta.
Para llegar a algunos lugares, a veces es necesario proporcionar medios de transporte adicionales, como un bote, una bicicleta o esquís.
Si es posible, es mejor visitar el objeto antes de disparar, realizar un reconocimiento y "probar" los ángulos; esto no será superfluo.
Visito tanto objetos de "peregrinaje" para fotógrafos como lugares donde los fotógrafos aún no han llegado. Me gusta mucho más la segunda opción, porque la salida suele ser un resultado inesperadamente agradable y siempre una imagen única. En aquellas áreas donde ya se han hecho decenas o cientos de tomas antes que yo, trato de acercarme al tiro fuera de la caja y aportar algo mío a la imagen.
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Elegir el momento de disparar
Este es el segundo punto del que me gustaría hablar. Tomo la mayoría de mis fotos durante el llamado "régimen" de tiempo: alrededor de una hora después del amanecer y una hora antes de la puesta del sol. La luz suave y cálida le da a la imagen riqueza y saturación de colores y detalla la textura de los objetos. Las transiciones entre áreas claras y oscuras son más suaves.
Además, por la mañana y (rara vez) por la noche, existe una alta probabilidad de que se forme niebla, que enfatiza la profundidad de la imagen, dispersa la luz de forma hermosa y difumina los contornos de los objetos, lo que hace que las fotografías sean más misteriosas y fabulosas.
Naturalmente, es importante comprender dónde estará la fuente de luz en el momento de disparar. Para hacer esto, en Internet, miro la hora exacta del amanecer y el atardecer, y luego, enfocándome en los lados del horizonte, superpongo la dirección de movimiento de la luminaria en el mapa.
Y, por supuesto, lo más importante es el clima.
Cuando el punto de disparo elegido no está lejos, basta con mirar por la ventana y las promesas de los meteorólogos por teléfono. Y si tengo que viajar durante mucho tiempo, me familiarizo con el pronóstico de al menos tres fuentes y miro el mapa propuesto del movimiento de los frentes atmosféricos. Ayuda a corregir la ruta justo en la dirección de viaje.
Después de analizar los puntos anteriores, ya tengo un calendario claro en la cabeza y las imágenes aproximadas que aparecerán posteriormente en la matriz de mi cámara. Debo decir que casi siempre resulta que se lleva a cabo el plan, pero en algunos lugares hay que volver de nuevo...
Componente técnico
Disparo con Sony A65 y tres lentes: Sony CZ16-80, Minolta 70-300, Samyang 8mm. También hay una corrección de retrato Sony SAL-50F18.
El primer objetivo es universal, utilizo alrededor del 80 % de todos los fotogramas. Tiene una excelente nitidez y reproducción de color.
Principalmente tomo fotos de paisajes en una apertura cubierta hasta f / 8 - f / 13 (esto asegura la máxima nitidez en todo el cuadro) con el valor ISO más bajo posible en el modo de enfoque automático (no siempre). Configuré todos estos parámetros, incluida la velocidad de obturación, en modo manual. Si es necesario obtener hermosos rayos del sol en el marco, puede cubrir la abertura y un poco más.
Grabo el cuadro en una tarjeta de memoria en formato jpg y raw, y necesito el segundo solo como red de seguridad, si de repente tengo que dibujar sombras o luces. Desde las sombras, la información se recupera mucho mejor que desde las áreas sobreexpuestas, por lo que la mayoría de las veces fotografío el paisaje con subexposición.
Perdóname, muchos fotógrafos, pero rara vez uso un trípode. Está claro que de noche, con poca luz, etc. condiciones sin ella en cualquier lugar. Pero durante las horas de régimen, la luz cambia rápidamente y, por regla general, es suficiente para mí. A veces incluso tienes que correr de un punto de disparo a otro para no perderte el momento. Pero me encanta correr y la carga adicional nunca está de más :) El trípode en esta situación reduce significativamente la eficiencia. A veces fotografío con horquillado de exposición, pero aquí, por regla general, no necesito un trípode. Incluso las panorámicas en el 90% de los casos las hago con las manos.
Acerca de la fotografía panorámica
Hago parte de mi trabajo con la técnica panorámica: uno varios fotogramas tomados de un punto con una superposición. Tales imágenes en la versión final parecen bastante comunes. Y el punto aquí no es en absoluto el deseo de filmar escenas para carteles u obtener píxeles trascendentes, solo un panorama le da volumen, profundidad y nitidez a todo el cuadro, le permite dirigir la mirada del espectador desde el primer plano hasta el medio y el fondo, crea el efecto de estar en el marco y, por supuesto, brinda una cobertura más amplia.
Me gustan mucho las fotos con un primer plano interesante, así que trato de comenzar a construir un marco (ya sea un panorama o una sola toma) a partir de él. Se pueden utilizar piedras, flores, hojas, etc. como primer plano. Si no hay nada que llame la atención, puedes improvisar arrastrando, por ejemplo, alguna pega.
Tratamiento
Postproceso los fotogramas en Photoshop Ps5. Principalmente corrijo las sombras, las luces, el contraste, la saturación, aplico filtros y en ocasiones la tecnología de ampliación del rango dinámico de la imagen (HDR). No doy la bienvenida a los collages de fotos. En Photoshop, también coso panoramas, principalmente en modo automático. Manos finalizando inconsistencias y geometría.
Cabe señalar que el uso de un editor de fotos le permite mejorar el marco, pero la fuente debe ser de alta calidad. Si la imagen, francamente, no funcionó, ningún editor hará nada bueno con ella.
Soy crítico con muchos de mis tiros. Sucede que a la hora de disparar pierdes de vista algunos momentos, y simplemente descuidas algunos matices. Después de un tiempo, comienzas a comprender qué se podría haber hecho mejor.
Aquí, en pocas palabras, está todo. Pero tal vez me perdí algo.
Resumiendo todo lo anterior, quiero decir lo siguiente: si te gusta la fotografía, hazlo con alma, sé creativo y mejora tus habilidades. Elige tu ubicación con responsabilidad, planifica tu ruta, estudia el tiempo…
¡Les deseo a todos buena suerte, viajes interesantes y hermosas tomas memorables!
Artem Kashkanov, 2019
El paisaje es probablemente el género más popular que utilizan los fotógrafos aficionados para presentarse fotografía artística. Hay muchas razones para eso.
En primer lugar, este género es el más accesible. A diferencia de las tomas de estudio en escena, en las que al menos debe pagar el alquiler de un estudio fotográfico, la naturaleza no se alejará de usted. Si la imagen falla, puede volver al mismo lugar, pero, por ejemplo, a una hora diferente del día o con un clima diferente.
En segundo lugar, el paisaje no es muy exigente a nivel de equipo fotográfico. Eso sí, será difícil fotografiar el paisaje con un dispositivo compacto o smartphone barato, pero una réflex amateur, mirrorless o más o menos avanzada cámara compacta capaz de proporcionar resultados aceptables.
En tercer lugar, el paisaje no requiere prisa, a diferencia de, por ejemplo, un reportaje. Te da la oportunidad de experimentar con los ajustes de la cámara y el punto de disparo, para intentar, finalmente, abandonar el modo automático en favor del manual. Esto es, hasta cierto punto, filmar "para el alma", y el proceso de filmación le da a alguien más placer que ver las imágenes.
En base a esto, se puede creer que el paisaje es un género muy simple, el montón de tontos y amas de casa (un fotógrafo de bodas "patético" lo dijo así, no lo nombraré). En mi opinión, solo aquellos que no han tratado de profundizar en las complejidades de la composición del paisaje, limitando su creatividad a las vistas desde la ventana de una casa o un automóvil, pueden argumentar de esta manera. ¿Cómo explicar entonces que de los millones de fotografías de paisajes publicadas en Internet, sólo unas pocas despierten un sentimiento de admiración? Entonces, el género no es tan simple ...
Regla de los tercios
Lo primero para comenzar con el desarrollo de la fotografía de paisajes son los conceptos básicos para construir una composición. La regla más simple que funciona en la mayoría de los casos es el "paralelo de tercios". Dividimos mentalmente el marco en 3 partes horizontalmente, 3 partes verticalmente e intentamos unir los objetos clave a las intersecciones de las líneas: los centros visuales:
Para muchas cámaras, puede habilitar la visualización de dicha cuadrícula en la pantalla. Intente "tirar" de los objetos clave grandes a estas líneas y de los pequeños a sus intersecciones (centros visuales).
Si solo hay un objeto principal en el marco, intente colocarlo lo más cerca posible de uno de los centros visuales, y para que quede más espacio en la dirección en que el objeto "mira":
Horizonte
La línea del horizonte está presente en casi cualquier fotografía de paisaje. Surge la pregunta: ¿cómo debe ubicarse?
En primer lugar, el horizonte en una foto de paisaje debe ser horizontal (perdón por la tautología). Algunas cámaras tienen una función muy útil " nivel electronico", que le permite mantenerse horizontal incluso cuando el horizonte está oculto detrás de árboles, colinas, edificios.
En segundo lugar, el horizonte puede pasar a lo largo de la línea inferior o superior de los tercios.
Ejemplo 1
Esta es una composición con un horizonte "superior". Se utiliza en el caso de que el primer plano sea el principal en la composición. A este caso- este es un espejo de estanque y una línea extrañamente curvada de vegetación acuática.
Si el primer plano no representa nada especial (por ejemplo, es un campo monótono o un prado), mientras que el fondo es más interesante, por ejemplo, un hermoso cielo, es aconsejable cambiar el horizonte al nivel de la parte inferior. tercero y dar la mayor parte del marco al cielo. Aquí hay un par de ejemplos de paisajes de "horizonte inferior":
Sin embargo, hay situaciones en las que tienes que desviarte de la regla de la sección dorada. Raramente, pero los hay. Por ejemplo, tanto la parte superior como sus fotos son igualmente bellas y expresivas. En este caso, está bastante justificado colocar el horizonte en el centro del encuadre:
¡Sucede que la línea del horizonte en el marco puede estar completamente ausente! Esto suele ocurrir cuando se dispara con niebla:
No hay línea de horizonte en esta foto. Para ser precisos, este plano no puede llamarse paisaje en su totalidad. Es algo así como el minimalismo. La belleza está en la sencillez. Pero esta "simplicidad" debe ser cuidadosamente calibrada para que no quede nada superfluo. Los objetos se organizan según la regla de los tercios, o simplemente simétricamente entre sí en relación con el centro.
La ausencia de un horizonte se puede usar de manera muy efectiva en tomas minimalistas. Un requisito previo es la presencia de dinámica interna (es decir, la imagen debe dirigir la atención del espectador en la dirección concebida por el autor) y la reducción de los objetos al mínimo (incluso puede haber un solo objeto, pero debe colocarlo para que no quede en el centro, pero el cuadro no pierda el equilibrio). En general, creo que habrá un artículo separado sobre minimalismo.
Llave
La segunda característica muy importante de la fotografía es su solución tonal (color). Dado que el color afecta la psique, la solución tonal es uno de los componentes principales del estado de ánimo de la imagen. La solución tonal puede ser de varios tipos.
1. Disparo en colores brillantes (clave alta)
La clave alta contribuye a la transferencia de ligereza, tranquilidad, paz. Puedes utilizar b/n, o tonos discretos, pero agradables. Al tomar fotografías como esta, recomiendo usar una compensación de exposición positiva de alrededor de 1EV, esto mejorará el efecto, pero asegúrese de que los reflejos no caigan en blanco.
2. Disparo en tonos oscuros (clave baja)
Estas son en su mayoría tomas nocturnas. Para ser justos, debe tenerse en cuenta que fotografiar la naturaleza de noche es una tarea vacía. El primer plano será completamente negro y el fondo tendrá un cielo bastante oscuro. Para disparar de noche, debes ir a la ciudad con sus faroles y ventanas luminosas. Las tomas nocturnas se ven muy bien en tonos azules fríos (lo que se logra durante el procesamiento). En este caso, se juega con el contraste del estado de ánimo inquietante asociado al tono frío general y la luz cálida de las ventanas, que aporta una gota de paz. En general, el amarillo sobre azul casi siempre se ve bien (¡pero no al revés!).
3. Alto contraste
Este es el caso cuando tanto los tonos oscuros como los claros están presentes simultáneamente en la imagen, comenzando desde el negro absoluto y terminando con el blanco absoluto. El principal problema al implementar esta solución tonal es la transferencia de medios tonos. El rango dinámico de la cámara muchas veces no es suficiente para la correcta transmisión tanto de luces como de sombras (el ejemplo dado no es una excepción), por lo que una parte importante del campo de la imagen puede estar ocupada por áreas en blanco o negro (pérdida de información). Pero si aun así consigues reducir al mínimo estas pérdidas, en ocasiones puedes conseguir tomas bastante espectaculares.
Para obtener esta imagen, se utilizó la técnica HDR: puede (¡y debe!) obtener más información al respecto. Los fotógrafos de paisajes suelen utilizar la recepción HDR, y no siempre con éxito. ¡Úsalo sabiamente y con sentido de la proporción!
perspectiva
Cuando nos paramos en las vías del tren y miramos a lo lejos, vemos que los rieles paralelos convergen en el horizonte en un punto. Esta es la perspectiva. En relación con la fotografía, este concepto se puede formular de la siguiente manera: la perspectiva es la relación de las dimensiones angulares de objetos idénticos que están distantes de nosotros a diferentes distancias.
La perspectiva es una de las técnicas más importantes para crear volumen en un marco, y existen diferentes tipos de perspectiva.
1. Perspectiva lineal
Este es solo el efecto de la convergencia de líneas paralelas a un punto. Además, pueden converger de diferentes maneras, según el punto de disparo y el ángulo de visión de la lente. Los objetivos gran angular dan una perspectiva lineal pronunciada, a veces incluso excesiva.
La imagen de arriba fue tomada con una lente ultra gran angular (14 mm). Debido al efecto pronunciado de la perspectiva, parece atraer al espectador hacia adentro. Considere otro ejemplo:
Esta fotografía, tomada con una distancia focal de 40 mm, se ve más "pictórica" y la percepción de la misma es cercana a lo que vemos con nuestros propios ojos.
Una fotografía tomada con un teleobjetivo (600 mm) no tiene prácticamente perspectiva (los edificios en primer plano tienen la misma escala que en el fondo), la fotografía parece una aplicación:
Sin embargo, debo señalar que con un teleobjetivo también puedes fotografiar maravillosos paisajes. Pero hay una advertencia. Dado que el teleobjetivo no tiene prácticamente perspectiva geométrica, debe utilizarperspectiva tonal.Es decir, cuando se observa la separación de plantas por la diferencia en su iluminación (o visibilidad).
Encendiendo
La definición original de fotografía es "pintura de luz". La hermosa luz convierte una mera imagen de un objeto en una obra de arte. Por extraño que parezca, el papel de la iluminación a menudo se olvida inmerecidamente. Y absolutamente en vano.
A fotografía de paisaje solo tenemos una fuente de luz: el sol, y debemos adaptarnos a él. Considere los rasgos característicos de la iluminación en diferentes momentos del día.
1. MAÑANA
Con razón se considera que lo más Mejores condiciones la iluminación se produce temprano en la mañana inmediatamente después del amanecer. El sol no brilla muy intensamente a través del velo de la niebla de la mañana y da una luz muy suave y cálida. La niebla en sí misma, al ser un difusor de luz, nos brinda grandes oportunidades para usar la perspectiva tonal.
¡La niebla hace maravillas! Preste atención a qué tan bien le permite transmitir el volumen y la profundidad de la imagen. Y la luz de fondo, que genera rayos divergentes, le da a la imagen una elegancia especial. Ahora imagina cómo se vería una foto tomada en el mismo lugar, pero en un día soleado. Así es, ¡nada especial! Árboles ordinarios, hierba ordinaria. visto esto mil veces! ¡Y con la luz de la mañana y la niebla, puedes tomar fotografías muy interesantes en casi cualquier lugar!
Pero, ¿y si el sol está bajo y no hay niebla (por ejemplo, por la tarde)? Usar iluminar desde el fondo.
La luz de fondo se puede usar muy bien cuando hay algo en primer plano que se iluminará a contraluz (con un tono oscuro general de la imagen). Por ejemplo hojas o flores. Sin embargo, al usar la luz de fondo, nos encontramos con dos obstáculos.
1. Rango dinámico de la cámara. Como puede ver, en la imagen de arriba no fue suficiente y el cielo se puso blanco. (tomada por cierto por la misma Olympus 860, con la que di mis primeros pasos en fotografía)
Descubrimos la luz de fondo, y ahora veamos algunos ejemplos de lo bueno que se puede ver en la mañana. Esto es definitivamente el cielo.
Muy a menudo, en una mañana de verano cuando hace buen tiempo, hay cirros muy hermosos en el cielo, iluminados por el sol. Pero para fotografiarlos necesitas: 1. una lente gran angular, 2. un filtro polarizador es muy deseable, lo que aumenta el contraste del cielo. (lea más sobre lo que da un polarizador). La primera foto fue tomada poco después del amanecer. El segundo - después de 1 hora. No se realizó ningún procesamiento en Photoshop. Preste atención a lo hermosas e inusuales que se ven las nubes, iluminadas por el sol bajo (primer cuadro). El segundo se ve más común, casi igual que el que se tomó en un día soleado.
2 DÍAS
Un día soleado es en realidad el peor momento para la fotografía artística de paisajes. Lo único que puede hacer que un paisaje “diurno” sea interesante es, ante todo, un lugar hermoso combinado con una composición bien equilibrada. Si las fotografías matutinas son más como pinturas, las fotografías diurnas son "postales". Sí, son agradables a la vista, pero es poco probable que "nos enganchen".
Día nublado - tampoco la mejor opción porque la luz no es interesante. Se necesita mucho esfuerzo para fotografiar algo que realmente valga la pena. La mayoría de las fotografías se obtienen sin estado de ánimo: las mismas postales, pero "sombrías". El cielo juega un papel muy importante en el valor artístico de la imagen durante el rodaje diurno. Es muy difícil fotografiar un paisaje normal si el cielo está completamente despejado o cubierto por un monótono velo de nubes. Las fotos en cuya composición las nubes (cirros o cúmulos) juegan algún papel son mucho más interesantes.
Como ya se mencionó, se utiliza un filtro polarizador para hacer que el cielo sea más expresivo. Las nubes de cirro son interesantes porque generalmente vienen con algún tipo de intervalo, que puede usarse ventajosamente como base para realizar el ritmo y la dinámica de la imagen.
Es imposible no mencionar el hecho de que se pueden ver muchas cosas interesantes en un clima inestable, cuando las nubes de tormenta oscuras pueden estar presentes al mismo tiempo y el sol brilla. Y si tienes suerte, puedes ver fenómenos absolutamente espeluznantes, pero muy hermosos, como, por ejemplo, los frentes atmosféricos.
Al darse cuenta de que algo anda mal con el clima, no se apresure a esconderse!¡Es posible que "Armageddon" sea muy hermoso!:) Por cierto, este fenómeno es muy fugaz, no más de 1-2 minutos. Por lo tanto, trate de tomar un buen punto de tiro con anticipación (y uno que tenga algún lugar para esconderse de la lluvia).:)
3. TARDE, PUESTA DE SOL
Lo principal que se filma con mayor frecuencia en la noche son las puestas de sol. ¡Se eliminan absolutamente todo y muchas veces! Pero por alguna razón, la mayoría de las tomas de puestas de sol enviadas a sitios de fotos obtienen una calificación muy promedio). ¡Y no es de extrañar! Los espectadores ya han visto tantos atardeceres que es difícil sorprenderlos con algo.
Entonces, para fotografiar cualitativamente (desde un punto de vista artístico) una puesta de sol, debe considerar cuidadosamente la idea de la imagen. Las tomas de apuntar y hacer clic están condenadas al fracaso debido a una idea trillada. Entonces, los componentes principales del éxito:
- Colores y formas. Ten en cuenta que los atardeceres tienen combinaciones de colores muy interesantes durante los cambios de tiempo. A veces aparecen nubes de formas extrañas en el horizonte. El color del cielo suele ser muy bonito e inusual.
- Dinámica. Por todos los medios, evite sujetos estáticos. Recuerde, la idea en sí es terriblemente trillada, así que busque algo que pueda darle a la imagen un "entusiasmo".
Dado que la iluminación por la noche es muy escasa, el suelo suele resultar muy oscuro. Por lo tanto, la mayoría de las veces las puestas de sol se toman sobre el agua.
Un ejemplo más.
Esto ya fue tomado después del atardecer. ¡La belleza está en la sencillez! Solo hay un objeto en la imagen, pero está bien ubicado en relación con el fondo (que, por cierto, forma una diagonal) y la "sección dorada". La gama de colores de la imagen jugó un papel importante (nuevamente, el contraste entre los tonos fríos en la esquina superior izquierda (LTC) con los tonos cálidos en la esquina inferior derecha (RNU).
Pero no nos obsesionemos con las puestas de sol, sino que dirijamos la mirada hacia el otro lado y estoy seguro de que allí se puede ver algo bastante digno.
Pero para tales tomas, ya necesitas un trípode. Las imágenes tomadas más cerca de la noche se distinguen por un estado de ánimo especial y, a veces, muy pronunciado, que se debe al predominio de los tonos fríos. Por originalidad, recomiendo colocar pequeños objetos en el marco que de alguna manera contrasten con el tono general.
4. NOCHE
El tiro nocturno es uno de los más difíciles en términos de tecnicidad. Como ya se mencionó, es inútil fotografiar la naturaleza de noche. Dado que no hay fuentes de luz natural (la luna no cuenta, es demasiado débil). Por lo tanto, para disparar de noche, debe ir donde haya luz artificial. Se requiere un trípode. Recomendaciones generales son:
- Las tomas concisas se ven mejor
- No abuses de las exposiciones largas. Todavía es de noche y la foto debe ser en un tono oscuro.
- Si desea teñir en Photoshop, use tonos fríos para dibujar el plan general y más cercano a los cálidos para objetos clave claros.
- Algunas imágenes en blanco y negro parecen más interesantes que en color. Mantén esto en mente.
Ejemplos:
La combinación de niebla y luz en tomas nocturnas siempre se ve muy ventajosa. Puedes leer más sobre fotografía nocturna en el artículo "".
Asi que...
La fotografía de paisajes no es tan fácil como mucha gente piensa.Todo lo que se ha dicho aquí no es más que mi opinión subjetiva. Estoy seguro de que después de un tiempo querré cambiar mucho. Pero por ahora, esta es mi visión actual del paisaje como un género de fotografía artística: ¡tan simple a primera vista y tan complejo cuando profundizas!:)Si tiene alguna pregunta o sugerencia, envíela por correo electrónico, estaré encantado de responder.
En fotografía, un paisaje no es simplemente fotografiar vistas y tampoco una reproducción protocolaria de uno u otro rincón de la naturaleza. ¡No es de extrañar que digan que un fotógrafo de paisajes no debe ser tanto un botánico como un poeta! Y si estamos hablando sobre la creación de una fotografía artística, tenemos derecho a exigir de su autor una selección precisa del material, fidelidad en la comprensión del material y el significado de la creatividad artística. Veracidad, poesía, pintoresquismo de la imagen fotográfica (Ivanov - Alliluev, 1971).
Un paisaje artístico creado por medio de la fotografía debe evocar en el espectador los mismos sentimientos profundos que un paisaje hecho por medio de la pintura. Y hay muchos trabajos de este tipo que cumplen con estos altos requisitos en fotografía (Ivanov - Alliluev, 1971; Levkina, 2013).
La fotografía de paisaje moderna es muy diversa. El paisaje se ha conservado y se va desarrollando, en el que sus autores siguen los ejemplos de los ejemplos clásicos de la pintura. Aquí, por supuesto, no se puede hablar de imitación irreflexiva y simple repetición de las técnicas y efectos encontrados por los pintores. La fotografía no pierde su independencia, las características específicas de la modernidad. Pero aún quedan analogías en tramas y estructuras pictóricas, son bastante obvias. Estos paisajes son interesantes porque se desarrollan gusto artístico, demostrar habilidades pictóricas, evocar representaciones asociativas en el espectador (Ivanov - Alliluev, 1971; Levkina, 2013).
Características de la fotografía de paisaje.
En general, se cree que los paisajes se pueden fotografiar en todas las condiciones climáticas, desde la luz del sol brillante hasta el destello de las tormentas eléctricas, y lo más importante en la fotografía de paisajes es levantarse temprano para captar la luz de la mañana, ya que el cielo de la mañana es el más claro y más transparente (Harman, 2011).
La característica más importante de la fotografía de paisajes es la falta de ciencia de la fotografía artística de paisajes. No existe un libro en el mundo de la literatura fotográfica que se llame El arte de la fotografía de paisajes. La razón es simple: el arte de la fotografía es tan polifacético y complejo que esta ciencia resulta ser una metaciencia. Como está escrito en el libro de L.D. Kursky, Ya.D. Feldman "Guía ilustrada para la enseñanza de la fotografía": " caracteristica principal la fotografía de paisajes es constructiva. A diferencia de una naturaleza muerta, aquí no es posible realizar ajustes. Es imposible, por ejemplo, eliminar la pendiente de una montaña que interfiere con la composición general, es imposible cambiar la ubicación del conjunto. Por lo tanto, el trabajo de composición de la trama se limita a una sola técnica de elegir un punto de disparo y elegir una lente con la distancia focal deseada. Puede haber muchos de estos puntos, y cada uno de ellos tiene su propia peculiaridad, su propia individualidad. Cada paisaje tiene varios planos: cercano, lejano y medio. Su aparición está asociada a una reducción de la escala de los objetos que se alejan en las profundidades del espacio, hacia la línea del horizonte. La comparación de las escalas de formas lineales es la perspectiva lineal de una imagen fotográfica (Belov, 2012).
La iluminación es una parte esencial de tomar una fotografía. La luz es una de las fuentes más definitorias de nuestras sensaciones. Se considera como el medio principal para crear una obra fotográfica artística (Dyko, 1977).
La individualidad de un paisaje depende principalmente de la unidad e integridad que un efecto de iluminación bien elegido le da a la naturaleza (Belov, 2012; Dyko, 1977; Wade, 1989).
La luz hace posible ver el mundo real existente. Al mismo tiempo, la originalidad y el atractivo de la iluminación juegan un papel importante, ya que ocurre en diferentes momentos del día: al amanecer, por la mañana, al mediodía, por la tarde, durante la puesta del sol. Además, la época del año, la temperatura, el paisaje de la zona son importantes a la hora de fotografiar. Como resultado, podemos concluir que un fotógrafo de paisajes tiene muchos problemas inusuales y difíciles de resolver (Belov, 2012).
En primer lugar, le espera la siguiente paradoja: estando directamente en ese punto del espacio desde donde se abre un paisaje impresionante, una persona con una cámara experimenta un efecto poderoso y versátil de la naturaleza circundante. Su mirada cubre simultáneamente 180 grados de perspectiva, y si mira a su alrededor, los 360. En la fotografía, la perspectiva suele estar limitada a 60 grados con una distancia focal típica de lente de 28 mm (Ilyinsky, Petunina, 1993; Belov, 2012 ) .
En segundo lugar, el fotógrafo se ve afectado por las imágenes visuales, sonoras y olfativas. Algo sucede constantemente alrededor: los pájaros cantan, las flores huelen, el arroyo murmura, el viento sopla. Las sensaciones táctiles también juegan un papel importante en la percepción general: bajo nuestros pies sentimos piedras afiladas, raíces de árboles y otros paisajes irregulares, podemos tocar la corteza áspera o lisa de los árboles, podemos hacer rodar una bola de nieve en nuestras palmas (Wright , 2010; Wade, 1989).
La materialidad del paisaje es claramente visible en primer plano, la textura es claramente visible a uno o dos metros del fotógrafo: briznas de hierba, piedras, hojas de árboles están dibujadas en detalle. La paradoja radica en el hecho de que en lugar de esta multitud de percepciones y sensaciones deliciosas, el resultado fotográfico será una especie de fotografía banal o una imagen plana en el monitor, que transmite solo una pequeña parte de todo lo que se sintió en el momento del disparo. (Belov. 2012; Morozov, 1985).
Otra de las grandes dificultades a las que se enfrenta el fotógrafo de paisajes es la desaparición de la tercera coordenada. ¡En el paisaje, la profundidad del espacio, por regla general, es de muchos kilómetros! Y en la imagen, la imagen se aplana, se vuelve bidimensional. ¿Cómo restaurar una imagen tridimensional de la naturaleza? La perspectiva lineal nos ayudará con esto (Lapin, 2005).
Perspectiva proviene de la palabra latina perspicere, mirar a través. Los patrones de perspectiva lineal fueron desarrollados por muchos artistas del Renacimiento. Estos incluyen Leonardo da Vinci y Albrecht Dürer. Por ejemplo, Leonardo da Vinci estableció los patrones básicos de reducción de imágenes. La ciencia de representar objetos espaciales en un plano o cualquier superficie de acuerdo con aquellas reducciones aparentes en su tamaño, cambios en los contornos de la forma y proporciones de luz y sombra que se observan en la naturaleza. En otras palabras, esto es: una forma de representar cuerpos tridimensionales, transmitiendo su propia estructura espacial y ubicación en el espacio.
Figura 19.
Figura 20.
La perspectiva de cómo apareció la ciencia en el Renacimiento, ya que en ese momento floreció la corriente realista en las artes visuales. El sistema creado para transmitir la percepción visual de las formas espaciales y el propio espacio en el plano permitió resolver el problema que enfrentan los arquitectos y artistas. Muchos de ellos usaron vidrio para determinar la perspectiva, sobre la cual rodearon la imagen en perspectiva correcta de los objetos requeridos (Lapin, 2005).
A Bellas Artes y la fotografía, son posibles varios usos de la perspectiva, que se utiliza como uno de los medios artísticos que potencian la expresividad de las imágenes. Dependiendo del propósito de la imagen en perspectiva, la perspectiva incluye los siguientes tipos: perspectiva lineal directa, perspectiva lineal inversa (Morozov, 1985).
Perspectiva lineal directa. Una especie de perspectiva calculada desde un punto de vista fijo y suponiendo un único punto de fuga en la línea del horizonte. Los sujetos se reducen proporcionalmente a medida que se alejan del primer plano. La perspectiva directa ha sido reconocida durante mucho tiempo como el único reflejo verdadero del mundo en el plano de la imagen. Teniendo en cuenta que la perspectiva lineal es una imagen construida sobre un plano, el plano se puede ubicar vertical, oblicua y horizontalmente, dependiendo del propósito de las imágenes en perspectiva (Fig. 21) (Kursky, Feldman, 1981).
Figura 21.
"Bosque de abedules".
Un ejemplo de la transferencia de espacio en esta foto está representado por una perspectiva lineal. El camino en el bosque de abedules y la zanja disminuye y se estrecha proporcionalmente a medida que se aleja del primer plano. Los árboles también se vuelven más pequeños a medida que se alejan.
Perspectiva lineal inversa. Un tipo de perspectiva utilizada en la pintura bizantina y rusa antigua, en la que los objetos representados parecen aumentar a medida que se alejan del espectador, la imagen tiene varios horizontes y puntos de vista, y otras características. Cuando se representan en perspectiva inversa, los objetos se expanden a medida que se alejan del espectador, como si el centro de las líneas de fuga no estuviera en el horizonte, sino dentro del propio espectador. La perspectiva inversa forma un espacio simbólico integral, orientado hacia el espectador y sugiriendo su conexión espiritual con el mundo de las imágenes simbólicas. Dado que en condiciones normales el ojo humano percibe una imagen en perspectiva directa en lugar de inversa, el fenómeno de la perspectiva inversa ha sido estudiado por muchos especialistas (Fig. 22) (Belov, 2012; Levkina, 2013).
Figura 22.
¿Qué papel juega la perspectiva en la fotografía? Perspectiva lineal: juega un papel muy importante en el trabajo del fotógrafo. En fotografía, para obtener una perspectiva lineal en una imagen cercana a la real, se utilizan lentes con una distancia focal aproximadamente igual a la diagonal del marco. Para potenciar el efecto de la perspectiva lineal, se utilizan lentes de gran angular, que hacen que el primer plano sea más convexo, y para suavizar, se utilizan lentes de foco largo, que igualan la diferencia en los tamaños de los objetos lejanos y cercanos (Lapin. 2005) .
A pesar de la naturaleza bidimensional de la fotografía, la sensación de volumen en la imagen afecta su percepción, por lo que es importante utilizar técnicas de perspectiva que puedan ayudar a lograr la percepción tridimensional de la fotografía (Lapin, 2005).
Hay varias formas en que la perspectiva lineal se manifiesta en una fotografía. Todos ellos se basan en la composición de una fotografía y las características de la visión humana (Lapin, 2005; Morozov, 1985).
Una de las leyes obvias de la perspectiva lineal es que los objetos parecen más pequeños a medida que nos alejamos de ellos. Para aprender a aplicar esta ley, basta con encontrar un lugar de disparo con objetos repetitivos, por ejemplo: una hilera de árboles, postes o una pared larga, escalones y barandillas de escaleras en parques (Fig. 23) (Belov. 2012) ).
Figura 23.
Para que la perspectiva lineal se muestre en la imagen, debe acercarse mucho al primer objeto de esta fila para que parezca enorme en la foto. Si se consigue este efecto, el resto de objetos de la fila repetida aparecerán mucho más pequeños, lo que potenciará la impresión de profundidad (Fig. 24) (Lapin, 2005; Belov, 2012).
Figura 24.
Otro método para expresar la perspectiva es usar líneas que se extienden profundamente en la imagen para transmitir volumen en la imagen. Los objetos que forman dos líneas convergentes son muy adecuados para este método (por ejemplo, Ferrocarril). Para mejorar este efecto, debe elegir un punto de disparo bajo. En la parte inferior de la encuesta, las líneas aparecerán muy anchas y tenderán bruscamente hacia la profundidad de la imagen hacia el punto de fuga (Fig. 25) (Harman, 2011; Wade, 1989).
Arroz. 25
Una de las mejores formas de mostrar una perspectiva lineal en una foto es incluir objetos de varios tamaños. Por ejemplo, desde un punto de vista particular, las personas en la foto aparecerán muy pequeñas, y si están paradas al pie de una montaña, el espectador comprenderá cuán grande es esta montaña. De la misma forma, se pueden utilizar árboles, animales, automóviles u otros objetos, cuyo tamaño relativo es muy diferente al de las montañas u otro paisaje espacioso (Kursky, Feldman, 1981, 1991).
Todos estos métodos son el resultado de la observación del fotógrafo. A vida real la perspectiva lineal se percibe a través de la distancia. Si utiliza diferentes planos en una fotografía, enfatizando que uno de los objetos está más cerca de la cámara y el otro está más lejos, entonces la imagen parecerá tridimensional (Belov. 2012; Lapin, 2005).
En base a lo anterior, podemos sacar la siguiente conclusión: se requiere seleccionar la composición de planos de tal manera que se note una reducción de estas dimensiones en el encuadre. Buen camino para enfatizar la expresividad de la profundidad del espacio: use una lente gran angular, mientras que el grado de reducción de los objetos en el marco aumenta dramáticamente: el árbol en el fondo ya se ha reducido considerablemente en tamaño, y en el tercer plan el objeto está completamente se convierte en un punto. Este fenómeno crea la ilusión de lejanía y profundidad del espacio (Morozov, 1985; Belov. 2012; Dyko, 1977).
La siguiente técnica para fotografiar un paisaje es utilizar las posibilidades de la perspectiva color-tonal, el color (Wade, 1989).
Cada uno de nosotros está familiarizado con un fenómeno natural cuando, junto con una disminución en la forma de los objetos (con un aumento en la distancia entre el objeto y el observador), también disminuyen los contrastes de color. El arte fotográfico moderno ha alcanzado tal perfección que sus mejores obras, profundas en el pensamiento, originales en las soluciones visuales, han adquirido las características del arte genuino. Estas obras dan pie a hablar de la escritura original de los fotoartistas, del estilo de su trabajo, de búsquedas en el campo de la creatividad artística y de tan importante categoría. Artes visuales, como el color (Buimistru, 2010; Ivanov-Alliluev, 1971).
El concepto de “color” llegó a la fotografía de la pintura, donde el color se entiende como la naturaleza de la relación de todos los elementos de color de la imagen, la consistencia de los colores y sus matices. La expresión externa del color es el pintoresquismo y el colorido de las combinaciones de colores. Pero el significado de las soluciones de color está en su uso para expresar el contenido, la idea principal del autor. Por lo tanto, la aparición de ciertos colores y tonos en el plano de la imagen siempre está motivada y es conveniente, y se utilizan para una representación veraz, expresiva y emocionalmente impresionante de la realidad. exactamente en
en este ámbito nace la verdadera belleza del color, su valor artístico (Buimistru, 2010).
El fotógrafo trabaja en la coloración de fotografías en color de una manera completamente diferente a la del artista-pintor. Pero el objetivo que tienen ante ellos es el mismo, y el resultado final obtenido por diversos medios tiene mucho en común. Tanto el fotógrafo como el artista se esfuerzan por transmitir la verdad de la vida, por revelar el tema de una manera pintoresca y expresiva. Ambos operan con colores, logran armonía de color, riqueza y consistencia de tonos de color (Ivanov-Alliluyev, 1971).
Los colores y tonos del sujeto a fotografiar no requieren ninguna prueba especial para afirmar que los colores y tonos del sujeto seleccionado son la base para la coloración de la futura imagen fotográfica (Wright, 2010; Wade, 1989).
La cadena de montañas (Fig. 26, 27, 28) en el horizonte parece ser una transición de color azulado hacia el cielo, por el contrario, los colores brillantes, y especialmente los contrastes de luz y oscuridad, prevalecen junto al observador. Cuando se elimina, el color se "encoge", por así decirlo, dando algo así como el estado de ánimo principal de la imagen. Por ejemplo, mire un árbol: debido al color, su copa parece casi uniforme, aunque las formas detalladas individuales se vuelven cada vez más distintas. Si entrecerramos los ojos un poco, estas formas detalladas se volverán más claras y habrá contrastes más fuertes de luz y oscuridad. Nuestro ojo acerca el panorama general. Lo mismo sucede cuando se estudia un paisaje, en el que, al aumentar la profundidad del espacio, un color azul claro en la distancia se mezcla con todos los valores de color (refracción de color con azul y blanco) (Buimistru, 2010; Wade, 1989).
Figura 26.
Figura 27.
Arroz. 28
Resulta que con la ayuda del color y las construcciones geométricas en el plano de la imagen, puedes representar todo el espacio (Belov, 2012).
Como se mencionó anteriormente, en la sección sobre perspectiva, los objetos se vuelven más pequeños a medida que aumenta la distancia. Resulta que los objetos también pierden su brillo de color; parece que los objetos en la distancia están envueltos en una niebla azul. A medida que te acercas al espectador, los contrastes de color se vuelven más fuertes, los contrastes de luz y oscuridad se definen más claramente, los contrastes adicionales "suprimen" los contrastes de tonos cálidos y fríos. De esto se deduce que los colores rojo, naranja, amarillo (colores cálidos) actúan como aproximaciones ópticas. Verdes fríos, los azules son como los neutros y los azules son como los distantes. Por lo tanto, el cielo azul o las distancias gris paloma siempre se perciben como objetos distantes, la vegetación ocupa constantemente el plano medio, pero es necesario pensar con qué colocar en primer plano. Pueden ser piedras rojas y marrones, rojas
o flores amarillas u otros objetos en el esquema de color nombrado. Resulta que el primer plano es cálido, el medio es neutral y la parte de atrás es fría (Buimistru. 2010, Belov. 2012).
Pero lo más decisivo aquí es la observación de la situación de la imagen correspondiente, debido a un cambio uniforme en el brillo, por ejemplo, la transición de azul a blanco, aparece una impresión adicional de profundidad espacial en el marco. Lejanía (Belov, 2012; Morozov, 1985).
De lo anterior, podemos concluir que la perspectiva tonal es uno de los medios importantes para transmitir el espacio en una fotografía y, al mismo tiempo, un componente importante del color general de un trabajo fotográfico. Entonces los paisajes no resultan planos, sino que parecen más voluminosos. Aparece la profundidad del espacio (Dyko, 1977; Buimistru, 2010).
Una buena iluminación también es de gran importancia para la belleza del marco. Esto plantea el problema de la medición de la exposición, por lo que por seguridad
los paisajes complejos, que tienen una gran latitud de brillo, deben fotografiarse con corrección: primero con la exposición correcta y luego, por si acaso, con dos sobreexposiciones y dos subexposiciones. Por alguna razón, a los fotógrafos aficionados les gusta fotografiar paisajes de 11 am a 3 pm con la luz del mediodía. El sol al mismo tiempo está casi verticalmente sobre la cabeza del fotógrafo y proporciona la iluminación más desfavorable del paisaje. Los profesionales disparan solo a la luz de la mañana, de 7 am a 11 am o por la noche de 3 pm a 7 pm (a estas horas, el sol brinda una hermosa iluminación lateral) (Kharman, 2011; Morozov, 1985).
Impresionantemente eficaz es la retroiluminación que se produce con los rayos del sol poniente que se aproximan. Al mismo tiempo, para configurar correctamente la velocidad de obturación de apertura, el medidor de exposición se cubre con algún objeto; deje que capture todo el resto del espacio, excepto rayo de sol(Morozov, 1985; Wright, 2010; Wade, 1989).
Conclusión: el uso competente de la luz por parte de un fotógrafo puede crear una obra maestra fotografiando el paisaje más ordinario, y el uso inepto puede arruinar los paisajes más hermosos. La luz expresa el estado de ánimo de la naturaleza, que se transmite fácilmente al espectador. La luz del sol brillante brinda un estado de ánimo alegre, el clima nublado provoca sentimientos menores y consideración, y la luz difusa en la niebla evoca una agradable sensación de misterio (Belov, 2012).
Además de todo lo anterior, en el paisaje, como en cualquier otro género de fotografía, la composición del encuadre tiene una gran importancia. Para crear una composición armoniosa del encuadre, en primer lugar, debe elegir un buen punto de disparo o mover la cámara un poco hacia un lado para lograr un efecto inesperado al capturar nuevos objetos en el encuadre. Las reglas básicas de composición se basan en las peculiaridades de la mirada de una persona, un espectador, que se mueve por el encuadre de izquierda a derecha, deteniéndose antes del borde. Las reglas principales son resaltar lo principal en el marco. Antes de tomar una foto, debe considerar con calma el paisaje y elegir el objeto principal en el que se centra la atención del fotógrafo. El fotógrafo determina para el saami qué imágenes y fenómenos de la vida de la naturaleza debe transmitir al espectador (Levkina, 2013; Dyko, 1977).
La regla de la sección áurea. Esta regla fue utilizada incluso por los constructores de las pirámides de Egipto. Se basa en eso. Que ciertos puntos en la composición de una imagen atraen automáticamente la atención del espectador. Independientemente de su formato de imagen. Hay cuatro puntos de este tipo y están ubicados a una distancia de 3/8 y 5/8 de los bordes correspondientes del marco (Fig. 29, 30) (Belov, 2012; Kursky y Feldman, 1981).
Arroz. 29
Arroz. treinta.
De acuerdo con la regla de la sección dorada, debe colocar líneas y objetos que no estén en el medio del marco. Y un poco al costado. Al aplicar la regla de la sección áurea, es necesario recordar la línea del horizonte. Que debe estar en una de las líneas de tercios horizontales: superior o inferior. Esta regla se denomina "regla de los tercios" (Fig. 31) (Belov, 2012; Kursky, Feldman, 1981).
Arroz. 31
La línea del horizonte en esta foto está en la parte superior de los tercios horizontales. La línea del horizonte no debe dividir la imagen en dos partes iguales. Es necesario componer el encuadre de modo que el cielo ocupe un tercio o dos tercios del encuadre. La relación ideal entre las proporciones del cielo y el paisaje es 1:2, pero es necesario recordar las excepciones (Lapin, 2005; Belov. 2012).
Regla diagonal. Esta regla establece que los elementos importantes de la imagen deben colocarse a lo largo de las diagonales del marco. El ojo del espectador no se mueve paralelo a los bordes del encuadre, sino en diagonal. En consecuencia, la disposición de las líneas individuales de la escena a lo largo de las diagonales se percibe de manera armoniosa y permite vincular los contenidos del cuadro (Dyko, 1977; Levkina, 2013).
Las diagonales son "ascendentes" y "descendentes". Las diagonales ascendentes se dirigen desde la esquina inferior izquierda a la superior derecha y tienen un significado optimista, esperanza y desarrollo (Fig. 32). Las diagonales descendentes dirigidas desde la esquina superior izquierda a la esquina inferior derecha transmiten una actitud pesimista, una sensación de plenitud (Fig. 33) (Dyko, 1977; Levkina, 2013; Belov, 2012).
Arroz. 32.
"Comienzo de la vida"
Arroz. 33.
"Janhot. Camino al mar"
Arroz. 34.
Las diagonales están representadas por las laderas de las montañas.
La característica principal de los paisajes de montaña es que hay más que suficientes diagonales naturales en las montañas (Fig. 34) (Belov, 2012).
Si miras a tu alrededor puedes ver que el mundo lleno de ejes horizontales-verticales, por lo tanto, es tan importante y necesario romper este aburrido orden (Fig. 35) (Belov. 2012).
Arroz. 35. Regla diagonal del marco. Diagonal ascendente. "Una familia"
La fotografía de paisajes es una pasión apasionante para muchos fotógrafos. Pero puede ser mucho más complejo de lo imaginado inicialmente. Suena simple: encuentre un lugar hermoso, tome algunas fotos y regrese a casa con una obra de arte en su cámara. El fotógrafo australiano Andrew Goodall ha estado fotografiando paisajes durante unos 20 años, dirige una galería centrada en este género y ha escuchado muchas opiniones similares a lo largo de los años, pero considera que la fotografía de paisajes merece un estudio exhaustivo del proceso.
De hecho, hacer una buena imagen de un paisaje espectacular es una tarea difícil. Una persona puede ver el potencial y la belleza de un lugar, pero capturarlos en una foto como una imagen memorable es un asunto completamente diferente, especialmente si trabajas en un lugar que ya ha sido fotografiado mil veces. Tienes que encontrar la manera y hacer un marco que sea diferente al resto. Andrew Goodall da cuatro consejos para aquellos que quieren llevar su fotografía de paisajes un poco más lejos que los demás.
No trates de poner todo en el marco.
Algunas impresionantes vistas panorámicas son tan grandes que es simplemente imposible encajarlas en una foto, a menos que use una lente gran angular. Sin embargo, en este caso, se reducirá el tamaño de toda la imagen, así como la grandeza de todo el paisaje que se está fotografiando. Es mucho más eficaz utilizar otra técnica: la concentración de la composición en torno a uno de los puntos clave e interesantes del paisaje. Por un lado, los espectadores reconocerán el área y la vista, y por otro lado, los mirarán desde un nuevo ángulo. En este caso, se puede usar una lente grande para enfatizar las características del paisaje, capturando detalles que un "gran angular" inevitablemente perdería.
Mirar el paisaje desde otro ángulo
¿Por qué tantas fotos de asombrosos monumentos arquitectónicos tienen el mismo aspecto? Solo porque les disparan desde los mismos puntos. Es fácil obtener una buena imagen desde la popular plataforma de observación; de hecho, estaba equipada en el lugar más adecuado para esto. El problema es que es casi imposible hacer una imagen única a partir de él. Trate de encontrar un nuevo ángulo. Incluso si tienes que caminar para encontrar una posición interesante, hazlo. Por supuesto, no ofrecemos ingresar ilegalmente a un área cerrada o arriesgar su propio cuello, pero en la mayoría de los casos puede encontrar una alternativa al ángulo habitual sin arriesgar su vida y la de los que lo rodean.
Deja que el entorno trabaje para ti
Cualquiera puede tomar una foto de, digamos, una cadena montañosa, pero ¿qué pasa con la misma cresta o pendiente tomada a través de las ramas de los árboles en primer plano o desde el costado de un río serpenteante que bordea una colina? Cualquier paisaje se puede fotografiar desde diferentes ángulos, y no siempre el más evidente es el mejor. Sea un pequeño explorador: busque primeros planos interesantes en la naturaleza, y puede agregar personalidad a la imagen y crear algo realmente único. Para tomar una foto que valga la pena guardar como recuerdo, debe esforzarse un poco.
Ser consciente de los entornos cambiantes
Fotografiar objetos de paisajes con la iluminación más adecuada o, por el contrario, rara es un verdadero acto de equilibrio profesional. En primer lugar, debe elegir la hora del día. Lo ideal, por regla general, es la luz de la mañana o de la tarde, cuando es suave y colorida (las llamadas horas doradas). El problema es que casi todos los fotógrafos lo saben. ¿Cómo puedes superarlos? La salida es pedir la ayuda del clima. Puede capturar algo muy especial en el momento del inicio de un frente de tormenta, con hermosas nubes en el cielo, o incluso cuando aparece un arcoíris. Al elegir el momento adecuado, obtendrás una toma única.
El conocimiento de todos los matices anteriores determina el nivel de profesionalidad e implicación de un fotógrafo de paisajes en el proceso. Cuanto más esfuerzo pongas, mayor será la recompensa. Puedes pasar mucho tiempo esperando el momento adecuado, pero una vez que obtengas una toma realmente perfecta, te darás cuenta de que la espera no fue en vano. La mejor confirmación del reconocimiento de la audiencia es escuchar a la gente decir "Estuve allí, pero no pude disparar así".
Y lo último: si desea lograr buenos resultados no solo al aire libre, sino también durante el procesamiento posterior, debe prestar atención a las herramientas de edición modernas.
Aunque a primera vista la fotografía de paisajes puede parecer muy simple, en realidad es mucho más que “apuntar la cámara - hacer clic en el obturador”. Objetivo fotografía de paisaje- para transmitir el estado interno, para expresar algo más, y no solo mostrar el paisaje frente a ti.
Vemos la realidad todos los días. Por eso, en mi opinión, la fotografía de paisaje no debe limitarse a reproducirlo. Los objetos no deben estar frente al espectador ni ocupar toda la foto: la composición debe llevar la mirada al punto final de la imagen: el punto de interés, el sujeto.
Como cualquier otra forma de arte, la fotografía de paisajes tiene sus propias reglas. Se necesita mucho tiempo para dominar la iluminación, la composición, la selección de temas, la posproducción y los resultados finales varían de una persona a otra.
Hay muchos videos con consejos e ideas sobre este tema, pero la conclusión es que no importa a menos que salga y comience a tomar tantas fotos como sea posible todos los días para comprender qué funciona y qué no.
Estos son 25 consejos e ideas para la fotografía de paisajes. Espero que les sean de utilidad (los detalles de cada uno de ellos están en el video):
1. Dispara al mismo sujeto al amanecer y al atardecer. Luz diferente, ángulos diferentes, resultados completamente diferentes.
2. Una toma desde un ángulo bajo cambia drásticamente la perspectiva, creando una toma más interesante... una imagen que no ves todos los días.
3. Si hay niebla al amanecer, dispara contra la luz para que la niebla sea iluminada por los rayos del sol.
4. Las siluetas se obtienen mejor antes del amanecer, con un cielo despejado.
eso idea sencilla cómo crear algo interesante en un momento poco interesante. Todo lo que necesitas es una forma interesante.
5. Las áreas oscuras dirigen la mirada hacia las áreas claras.
6. Las exposiciones prolongadas ayudarán a obtener más información sobre el clima: viento, temperatura, movimiento de las nubes.
7. Si hay nubes oscuras en el cielo, esto no significa que deba quedarse en casa.
Luz en los espacios entre las nubes, a través de las nubes: un hermoso momento que vale la pena capturar.
8. Un punto brillante de color en un triste paisaje gris puede causar una fuerte impresión en el espectador.
9. Preste atención al fondo cuando desee resaltar el sujeto, especialmente cuando tome fotografías en el bosque.
10. Los días de niebla en invierno pueden ser aburridos.
Pero encuentre un árbol solitario y colóquelo en el centro para enfatizar el tema. El espacio negativo transmitirá una sensación de gran vacío y cuán pequeño Oárbol en su fondo.
11. Los reflejos siempre son hermosos.
La tierra no siempre es así, y los reflejos pueden ayudar a deshacerse de elementos no deseados.
12. Mueva la cámara mientras presiona el obturador.
Esto funciona mejor cuando el sujeto está claramente separado del fondo.
13. El contraste puede ser muy útil para separar el sujeto del fondo.
Una pequeña flor blanca sobre hojas verdes, ligeramente resaltada con luz, puede crear una foto simple pero hermosa.
14. Las panorámicas son una excelente manera de transmitir la escala de un paisaje en un bosque.
15. Los cielos nublados al atardecer pueden no ofrecer nada...
... o para dar un casi milagro, cuando los rayos del sol atraviesan las nubes por apenas un segundo.
16. A veces, el cielo puede convertirse en un espejo del paisaje, cuando las nubes siguen las líneas de los objetos en el suelo.
17. Una mañana con niebla es un momento maravilloso, especialmente si en algún momento el sol se abre paso entre la niebla.
Elija su posición de disparo para que su sujeto esté en la niebla, entre usted y el sol.
18. Una luz al final de un camino forestal, cuando todo lo demás está oscuro, puede ser una gran toma.
19. El mejor momento para fotografiar cascadas es a principios de la primavera, cuando la nieve se derrite en las montañas.
20. Fotografíe árboles que se vean inusuales... especialmente árboles viejos.
21. Las montañas en el fondo, detrás de las casas, pueden transmitir la magnitud del paisaje: use un teleobjetivo para disparar.
22. Cuando tome fotografías en áreas urbanas, busque líneas dinámicas complejas. Además, varios planos verticales agregarán volumen a la imagen.
23. Separe el área iluminada de los alrededores con un teleobjetivo y obtenga una gran foto.
24. Cuando dispare, piense en otras perspectivas; esto puede dar un aspecto único a un sujeto simple.
25. No olvides ver los detalles.
A veces, un gran paisaje puede desviar su atención de los elementos más pequeños. Las texturas son una gran cosa, casi pueden parecer arte abstracto.
Un análisis detallado de todos los ejemplos está en este video:
Espero que te hayan gustado los consejos y los hayas encontrado útiles. ¡Sigue disparando, es la única forma de mejorar como fotógrafo!
Sobre el autor: Toma Bonciu es un fotógrafo rumano que se especializa en fotografía de paisajes y viajes. Sus otros trabajos están en su sitio web y páginas en